Settembre - Vertebre (drum sheet music)

Settembre – Vertebre

Scheda del brano

Titolo: Vertebre
Artista: Settembre (Andrea Settembre)
EP: Vertebre
Anno: 2024 (singolo), 2025 (EP)
Autori: Andrea Settembre, Manuel Finotti, Laura Di Lenola
Produzione: Gorbaciof, BNJMN
Genere: Pop italiano / Contemporary Pop / Pop elettronico
Riconoscimenti: Vincitore delle Nuove Proposte, Premio della Critica Mia Martini e Premio della Sala Stampa Lucio Dalla al Festival di Sanremo 2025
Versione analizzata: Versione originale in studio

L'identità del brano

Vertebre è uno dei brani più rappresentativi della nuova generazione del pop italiano, una composizione che unisce una scrittura profondamente emotiva a una produzione moderna, nella quale convivono melodie intense, sonorità elettroniche e influenze della tradizione musicale napoletana.

Pubblicato nel novembre 2024, il brano ha portato Andrea Settembre alla vittoria nella categoria Nuove Proposte del Festival di Sanremo 2025, conquistando anche il Premio della Critica Mia Martini e quello della Sala Stampa Lucio Dalla.

La canzone rappresenta perfettamente l'identità artistica del giovane cantautore napoletano. Il suo linguaggio musicale combina l'immediatezza del pop contemporaneo con una vocalità fortemente espressiva, capace di passare da momenti quasi confidenziali a esplosioni melodiche cariche di tensione.

Uno degli elementi più riconoscibili è l'utilizzo del dialetto napoletano accanto all'italiano. Questa scelta non rappresenta soltanto un riferimento alle origini dell'artista, ma contribuisce a rendere il racconto più diretto, intimo e autentico.

Rispetto a molte produzioni pop costruite principalmente intorno alla leggerezza melodica, Vertebre possiede un carattere decisamente più drammatico. Il brano affronta sentimenti difficili attraverso immagini forti e un'interpretazione vocale che sembra muoversi continuamente tra fragilità e ribellione.

La sua forza nasce dal contrasto tra un arrangiamento ritmico moderno e una narrazione emotiva profondamente personale.

È una canzone che dimostra come il pop contemporaneo possa essere immediato e accessibile senza rinunciare alla complessità dei sentimenti.

Significato e narrazione

Vertebre affronta il tema della vulnerabilità emotiva, delle relazioni sentimentali difficili e del senso di smarrimento che può accompagnare il passaggio dall'adolescenza all'età adulta.

Il titolo è particolarmente evocativo. Le vertebre rappresentano una parte fondamentale della struttura del corpo umano, ciò che permette di sostenersi e rimanere in piedi. Nel contesto della canzone diventano il simbolo di una fragilità profonda, quasi fisica.

Il dolore emotivo viene descritto attraverso immagini corporee intense, come se una delusione sentimentale fosse capace di raggiungere la parte più interna e vulnerabile di una persona.

Il testo racconta una relazione segnata da incomprensioni, senso di abbandono e difficoltà di comunicazione. Il protagonista cerca risposte, ma sembra trovarsi davanti a una distanza che non riesce a colmare.

Accanto alla dimensione sentimentale emerge un tema più ampio: la difficoltà di essere giovani in un periodo della vita nel quale si è chiamati a comportarsi da adulti senza aver ancora imparato a gestire completamente le proprie emozioni.

La canzone descrive quella condizione particolare in cui si vorrebbe apparire forti, indipendenti e sicuri, mentre interiormente continuano a convivere paure, insicurezze e bisogno di protezione.

Il racconto diventa così generazionale. La sofferenza amorosa rappresenta il punto di partenza per parlare di un disagio più universale: il timore di non essere all'altezza, la difficoltà di trovare il proprio posto nel mondo e il bisogno di imparare ad affrontare delusioni e cambiamenti.

La voce di Settembre contribuisce in modo decisivo a comunicare questi sentimenti. L'interpretazione alterna tensione, vulnerabilità e momenti di maggiore intensità, trasformando il testo in una dichiarazione emotiva molto coinvolgente.

Il messaggio centrale è che crescere non significa smettere di essere fragili, ma imparare a riconoscere e attraversare le proprie emozioni.

Atmosfera e arrangiamento

L'atmosfera di Vertebre è malinconica, intensa e caratterizzata da una tensione emotiva che cresce progressivamente durante la canzone.

La produzione di Gorbaciof e BNJMN combina elementi del pop contemporaneo con sonorità elettroniche e una sensibilità melodica legata alla tradizione cantautorale italiana.

L'arrangiamento lascia un ruolo centrale alla voce, costruendo attorno a essa un ambiente sonoro che alterna momenti più raccolti ad aperture di maggiore intensità.

Le componenti armoniche creano una base malinconica sulla quale il canto può sviluppare il proprio fraseggio. Gli elementi ritmici contribuiscono invece a dare movimento e una direzione precisa alla composizione.

Uno degli aspetti più interessanti è il rapporto tra il carattere moderno della produzione e l'interpretazione fortemente espressiva del cantante.

La voce di Settembre possiede un timbro graffiante e una notevole capacità di trasmettere tensione. Nei passaggi più intimi il fraseggio sembra quasi una confessione, mentre nei ritornelli acquista maggiore forza, trasformando il dolore in una richiesta emotiva più urgente.

L'utilizzo del dialetto napoletano introduce un colore particolare nella melodia, rafforzando la personalità del brano e creando un collegamento tra linguaggio contemporaneo e tradizione locale.

La sezione ritmica sostiene questa evoluzione attraverso una pulsazione definita e un'attenta gestione degli accenti.

Il ritornello rappresenta il momento di maggiore apertura emotiva. La ripetizione melodica e la maggiore intensità dell'arrangiamento rendono il messaggio particolarmente incisivo.

Il risultato è un pop moderno che utilizza il contrasto tra intimità e potenza per amplificare il significato delle parole.

La batteria e il groove

Dal punto di vista del batterista, Vertebre è un brano particolarmente interessante per studiare l'accompagnamento nel pop contemporaneo, dove il linguaggio della batteria acustica si confronta con le caratteristiche sonore della produzione elettronica.

La componente ritmica ha una funzione fondamentale: sostenere una melodia fortemente espressiva e contribuire alla crescita emotiva della canzone senza occupare eccessivamente lo spazio sonoro.

La difficoltà principale non consiste nella velocità o nella quantità di note, ma nella capacità di riprodurre un groove preciso, controllato e coerente con l'arrangiamento originale.

Il carattere del groove

Il riferimento stilistico è quello del pop moderno, nel quale la pulsazione viene costruita attraverso l'interazione tra suoni gravi, accenti di rullante e suddivisioni ritmiche regolari.

La cassa deve fornire una base solida, mantenendo una relazione precisa con il basso e con gli elementi elettronici dell'arrangiamento.

Il rullante contribuisce alla definizione degli accenti principali. Il suo suono deve risultare chiaro e presente, ma senza assumere necessariamente la pesantezza di un accompagnamento hard rock.

Il charleston permette di mantenere il movimento interno della pulsazione. La precisione delle suddivisioni è particolarmente importante perché contribuisce a creare quella sensazione di continuità tipica delle produzioni pop contemporanee.

I piatti devono essere utilizzati con attenzione, soprattutto nei passaggi tra sezioni più intime e momenti di maggiore apertura.

Il groove deve essere stabile.

La cassa deve avere definizione.

Il rullante deve essere preciso.

Il charleston deve mantenere continuità.

Gli accenti devono rispettare l'arrangiamento.

La caratteristica principale è il controllo: ogni elemento della batteria deve contribuire al movimento senza distogliere l'attenzione dalla voce.

La precisione ritmica nel pop elettronico

Uno degli aspetti più importanti da studiare è la precisione del timing.

Nel pop contemporaneo, le parti ritmiche sono spesso costruite attraverso una combinazione di strumenti acustici, campioni e programmazioni elettroniche. Questo linguaggio richiede una particolare regolarità nella posizione dei colpi.

Quando il brano viene eseguito con una batteria acustica, il musicista deve cercare di conservare questa precisione senza rendere l'esecuzione rigida o priva di espressività.

Il rapporto tra cassa e rullante deve essere molto controllato, così come l'intensità degli accenti sul charleston.

Una delle difficoltà più comuni consiste nel modificare involontariamente la velocità quando la voce diventa più intensa.

In Vertebre, il batterista deve invece mantenere una pulsazione affidabile, permettendo al cantante di sviluppare liberamente il proprio fraseggio.

Il tempo deve restare stabile anche quando l'interpretazione vocale diventa più drammatica.

Il rapporto tra batteria e voce

La voce di Settembre è caratterizzata da un fraseggio molto espressivo, ricco di accenti, variazioni d'intensità e momenti nei quali le parole sembrano quasi prevalere sulla regolarità della melodia.

Per questo motivo, il batterista deve sviluppare una particolare capacità di ascolto.

La batteria non deve seguire meccanicamente ogni accento vocale, ma offrire una struttura stabile sulla quale la voce possa muoversi liberamente.

Nelle sezioni più intime, un accompagnamento troppo presente rischierebbe di ridurre l'efficacia del testo.

Nei ritornelli, invece, una maggiore energia ritmica può contribuire a sostenere l'apertura melodica e a rafforzare il carattere emotivo della canzone.

Il contrasto tra queste due situazioni rappresenta uno degli aspetti più importanti dell'interpretazione.

Il batterista deve saper riconoscere quando sostenere maggiormente il canto e quando lasciare spazio.

La gestione delle dinamiche

Vertebre è particolarmente utile per sviluppare la capacità di costruire una progressione emotiva attraverso la batteria.

La dinamica non deve essere uniforme per tutta la durata del brano.

Le sezioni più raccolte richiedono un suono controllato, con particolare attenzione all'intensità della cassa, del rullante e dei piatti.

Quando la canzone si apre, il batterista può aumentare la propria presenza attraverso un'articolazione più ampia e una maggiore intensità degli accenti.

È importante però non confondere la crescita dinamica con un aumento involontario della velocità.

Il crescendo deve nascere dal suono e dall'orchestrazione della batteria, non dall'accelerazione del tempo.

Questa distinzione è fondamentale per sviluppare un accompagnamento professionale.

I fill e le transizioni

Nel pop contemporaneo, i fill devono essere pensati soprattutto in funzione della struttura musicale.

In un brano come Vertebre, l'obiettivo non è impressionare attraverso passaggi tecnici complessi, ma accompagnare le transizioni e valorizzare gli ingressi dei ritornelli.

Un fill breve sul rullante o sui tom può contribuire a preparare una nuova sezione, purché rispetti il carattere ritmico della produzione.

È altrettanto importante riconoscere i momenti nei quali una semplice pausa può risultare più efficace di un passaggio elaborato.

La capacità di dosare gli interventi rappresenta una competenza fondamentale per il batterista moderno.

In Vertebre, la batteria funziona quando diventa parte dell'architettura emotiva del brano, accompagnando la tensione della voce senza comprometterne la centralità.

Perché vale la pena studiarlo

Vertebre è un ottimo brano per approfondire il linguaggio della batteria nel pop italiano contemporaneo.

Per uno studente rappresenta un esercizio particolarmente utile sul controllo del tempo, sulla precisione del backbeat, sulla relazione tra cassa e basso e sulla gestione delle dinamiche.

È anche interessante per imparare a trasformare una produzione moderna in una parte eseguibile sul drum set acustico, selezionando gli elementi ritmici più importanti senza cercare necessariamente di riprodurre ogni dettaglio elettronico.

Uno degli obiettivi didattici principali è sviluppare un accompagnamento che rispetti la voce e contribuisca alla crescita emotiva della canzone.

La lezione fondamentale è che nel pop moderno la precisione ritmica deve convivere con la sensibilità musicale.

Non basta mantenere il tempo.

Bisogna controllare le dinamiche.

Bisogna rispettare il fraseggio vocale.

Bisogna comprendere la struttura del brano.

Bisogna scegliere con attenzione gli accenti e i fill.

Bisogna costruire energia senza perdere stabilità.

Vertebre dimostra come una parte ritmica essenziale possa contribuire in modo decisivo all'intensità di una canzone, diventando uno strumento capace di sostenere e amplificare il racconto emotivo.

È un brano utile per sviluppare precisione, musicalità e consapevolezza dell'arrangiamento, qualità fondamentali per qualsiasi batterista che desideri affrontare il repertorio pop contemporaneo.

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Settembre – Vertebre | English Description

Track Information

Title: Vertebre
Artist: Settembre (Andrea Settembre)
EP: Vertebre
Year: 2024 (single), 2025 (EP)
Writers: Andrea Settembre, Manuel Finotti, Laura Di Lenola
Producers: Gorbaciof, BNJMN
Genre: Italian Pop / Contemporary Pop / Electronic Pop
Awards: Winner of the Newcomers category, Mia Martini Critics' Award and Lucio Dalla Press Room Award at the 2025 Sanremo Music Festival
Version Discussed: Original studio version

The Song's Identity

Vertebre is one of the most representative songs of a new generation of Italian pop music, combining deeply emotional songwriting with modern production, intense melodies, electronic sounds and influences from the Neapolitan musical tradition.

Released in November 2024, the song brought Andrea Settembre victory in the Newcomers category at the 2025 Sanremo Music Festival, where it also received the Mia Martini Critics' Award and the Lucio Dalla Press Room Award.

The track perfectly represents the young Neapolitan singer-songwriter's artistic identity. His musical language combines the immediacy of contemporary pop with a highly expressive vocal style, capable of moving from intimate, almost confessional passages to powerful melodic climaxes.

One of its most distinctive features is the combination of Italian and Neapolitan dialect. This choice is not merely a reference to the singer's origins; it makes the narrative more direct, intimate and authentic.

Compared with many pop productions built primarily around melodic lightness, Vertebre has a considerably more dramatic character. The song explores difficult emotions through strong imagery and a vocal interpretation that constantly moves between vulnerability and rebellion.

Its strength comes from the contrast between a modern rhythmic arrangement and a deeply personal emotional narrative.

It demonstrates how contemporary pop can remain immediate and accessible without sacrificing emotional complexity.

Meaning and Narrative

Vertebre, meaning Vertebrae, explores emotional vulnerability, difficult romantic relationships and the sense of confusion that can accompany the transition from adolescence to adulthood.

The title is particularly evocative. Vertebrae are an essential part of the human body's structure, allowing it to remain upright and supported. Within the song, they become a symbol of profound, almost physical vulnerability.

Emotional pain is described through intense bodily imagery, as though romantic disappointment could reach the deepest and most vulnerable part of a person.

The lyrics portray a relationship marked by misunderstanding, abandonment and communication difficulties. The narrator searches for answers but faces an emotional distance that seems impossible to overcome.

Alongside the romantic dimension, a broader theme emerges: the difficulty of being young at a stage of life when people are expected to behave like adults without yet fully understanding how to manage their emotions.

The song captures the experience of wanting to appear strong, independent and confident while still struggling internally with fear, insecurity and the need for reassurance.

The narrative therefore becomes generational. Romantic suffering provides the starting point for discussing a more universal experience: the fear of inadequacy, the difficulty of finding one's place in the world and the need to learn how to cope with disappointment and change.

Settembre's voice plays a crucial role in communicating these emotions. His performance alternates between tension, vulnerability and moments of greater intensity, transforming the lyrics into a compelling emotional statement.

The central message is that growing up does not mean becoming invulnerable, but learning to recognize and navigate one's emotions.

Atmosphere and Arrangement

The atmosphere of Vertebre is melancholic, intense and characterized by emotional tension that gradually increases throughout the song.

The production by Gorbaciof and BNJMN combines contemporary pop elements with electronic sounds and a melodic sensitivity rooted in the Italian singer-songwriter tradition.

The arrangement keeps the voice at the center, building a sonic environment that alternates between intimate passages and moments of greater intensity.

Harmonic elements create a melancholic foundation over which the vocal melody develops. Rhythmic components contribute movement and provide the composition with a clear sense of direction.

One of the most interesting characteristics is the relationship between the modern production and the singer's highly expressive delivery.

Settembre's voice has a gritty tone and a remarkable ability to communicate tension. In quieter passages, his phrasing feels almost confessional, while the choruses become more powerful, transforming pain into an urgent emotional appeal.

The use of Neapolitan dialect adds a distinctive melodic color, strengthening the song's personality and connecting contemporary musical language with local tradition.

The rhythm section supports this development through a defined pulse and carefully controlled accents.

The chorus represents the moment of greatest emotional expansion. Melodic repetition and increasing intensity make its message particularly powerful.

The result is contemporary pop that uses the contrast between intimacy and power to amplify the meaning of the lyrics.

The Drums and the Groove

For drummers, Vertebre is particularly interesting for exploring contemporary pop accompaniment, where the language of acoustic drumming meets the sonic characteristics of electronic p